Riesgo de creer

Ser mago, una vocación que tiene que ver con el asombro, con maravillar, pero sobretodo implica sostener ese rol frente al resto, a pesar de estar en un mundo que tira para otro lado tendiendo a marchitar la capacidad de dejarse sorprender.

Tres intérpretes en escena vestidos con trajes elegantes de gala combinados en sus tonalidades, presentan una primera imagen dónde se asoma una declaración: van a jugar con el estereotipo del mago para luego desarmarlo.

Luego de una extensa introducción a modo de show, donde tal vez la música se encuentra en un volumen un poco elevado en relación a sus voces, se observan tres magos que actúan, un poco armados en su personaje de gala, tal vez requieran ganar más fluidez para la ejecución coreográfica. Sin embargo, prontamente a medida que avanza el espectáculo, y aunque los trucos continúan saliendo impecables, el artificio de la máscara cede, pues los cuerpos se aflojan y las marcaciones se disipan en una estructura dramática que se vuelve más blanda y orgánica, dejando asomar a tres personas con sus “traumas” que deciden dedicarse a la magia.

La estructura dramática es una ametralladora de trucos casi sin respiro para la mirada. Aunque, los trucos se garantizan por la eficacia en la técnica, las sucesivas rutinas no se enfocan solamente en esta demostración, sino que están acompañadas de relatos y reflexiones. Familia, inicios, opiniones del público, masculinidad, traumas y peripecias que implican el dedicarse a engañar profesionalmente.

La puesta en escena incluye muchos elementos propios del universo de la magia: cartas, tubos sin fondo, fuego, varitas, valijas, etc.; y además objetos más cotidianos como una pelota que, también es parte del ilusionismo, pero, nuevamente, lo que sostiene el acto no es el efecto, sino también, la historia personal. La escenografía fue resuelta con tres módulos móviles, representando los camarines y según los van girando los intérpretes, funcionan como patas, una decisión que aporta dinámica en función de modificar el espacio de forma ágil como las manos de estos magos.

En uno de los cuadros iniciales, de carácter íntimo, uno de ellos mientras narra comienza a envejecer en el mismo relato, expresado en su corporalidad, la magia no consiste en hacer aparecer algo, sino hacer visible el paso del tiempo. Así mismo, el final cierra el círculo poético, volviendo a la raíz de la curiosidad muchas veces desplazada al mundo infantil que, sin embargo sigue iluminando el pacto de creer en la magia.

La decisión se encuentra a cargo del público, casi como un acuerdo colectivo. El acto de creer conlleva un riesgo porque en la mayoría de las veces, no hay respuesta, pues el truco no se devela, el desencanto que provoca una sonrisa, seduce la mirada que quiere volver a ser maravillada, dualidad que tolera la magia, la respuesta técnica deja de importar por sobre la experiencia sensible del misterio.

Entre chistes, gala y trucos, Acto no habla de cómo se hace la magia, reflexiona de por qué se necesita seguir creyendo en ella, de darse tiempo para el asombro y reencontrarse con la extrañeza en un mundo que gira alrededor de lo utilitario, descartando todo lo demás.

 

Ficha

Elenco: Marcelo Goobar, Pablo Kusnetzoff, Emanuel Zaldua

Música original y diseño sonoro: Juan Barone

Diseño espacial: Mirella Hoijman

Diseño de vestuario: Mariana Seropian

Diseño de iluminación: Gonzalo Berdes (ADEA)

Fotos: Hernán Paulos

Tratamiento digital: Rafa Casares

Diseño gráfico: Javier Jacob

Redes: Juana Banchoff

Prensa: Mutuverría PR

Realización de escenografía: David D’orazio

Asesoramiento coreográfico: Florencia Montaldo

Voces en off: Gaspar Martín Dalí, Julio Resich, Amadeo Azrak, Osqui Guzmán, Irene Sexer, Martín Tecchi

Asistente de escena: Tomás Meliche

Producción ejecutiva: Gabo Baigorria

Coproducción: Teatro El Grito

Asistencia de dirección: Emilia Calogero

Dramaturgia y dirección: Flor Micha

Género: Drama, Magia